#CurzonSoho #LFF 25年倫敦電影節第一場！好喜歡這部作品，視聽呈現的效果太好了，還有對于身體作為介質呈現出的主題也很喜歡。結構上看是一部反向奧德賽，開場的夢想到之后的逃離再到結尾的釋懷狀態我認為是達成了一種非常美妙的升華。影片的反烏托邦設定不光是批判現代社會對于老男人權力的剝奪，感覺也有些映射疫情的一些措施。 角色與隱喻上，影片完全以女主為主闡述一段旅程，這個旅程的節奏設計的就很好，遇到的人事物我覺得是從另一些方面闡述了國家的一些狀態。飛行的夢想只是一個引子，家中的環境與籠中鳥缸中魚沒有什么區別，而結尾的那個凝視仿佛也是引發一種思考，這世界也只是一個巨大的魚缸而已。影片的結尾我認為那個臉部特寫長鏡頭從某種程度上已經突破了對于“身體被現實管理”的狀態而達到了精神上也做出了突破。船可以實現飛行的自由，而她的靈魂也已經學會了飛翔。 視覺上，趨近于正方形的畫幅呈現的自然環境效果太好了，尤其是各種空鏡在的畫面，感覺每一張都能當壁紙的程度，感覺這種畫幅一方面給了環境一個更好的展示，另一方面在呈現角色的時候似乎也更佳“專注”。影片大量的臉部特寫鏡頭展現角色的內心，我們也從大量對于身體和環境關系的呈現中感受角色的狀態。色彩的飽和度和魔幻元素則明顯帶有著拉美魔幻現實主義風格，甚至影片是不是得空靈感，魔幻元素和大自然的融合總讓我想起阿彼察邦的作品。影片的環境很美，但感覺重點都在“人”身上，大量的淺焦鏡頭強調的是角色的關系和角色的主體性，感覺跟臉部特寫相輔相成。 聽覺上，自然環境音效果太好了，幾首配樂也很喜歡，沒有可以強化“悲慘”，而是帶有樂觀性，而與此對照的是政府廣播，感覺對照下來很有意思。配樂中最喜歡的是木琴呈現出的那種空靈，還有一段顫音器和電子樂融合出的癲狂效果印象很深。 以下是25年10月8日LFF映后文字版： Q：這部電影的起點是什么？你的靈感來源于哪里？為什么你想講述這樣一個特定的故事？ 導演：其實我的靈感來自我的外祖母。她在我外祖父去世后開始學畫畫。對我來說看著一個人在生命中重新煥發生機是一件非常鼓舞人心的事，于是我決定拍一部關于這樣一位老年女性的電影。這種感覺就像是一顆種子，是我創作的起點。然后我開始去研究、觀看一些以老年人為主角的電影，想要理解更多，找到一些參照。讓我感到驚訝的是，在電影史中要找到這樣年紀的主角是非常困難的，而那些少數以老年人為主角的電影大多都在講與死亡的關系，像疾病，身體的衰退或者如何與生命告別。另一類則是關于懷舊的，老年人活在與當下脫節的世界里，對過去的某個時代充滿懷念。但我想拍的并不是關于過去的故事，對我來說重要的是去拍一部關于活在當下的老年女性的電影，她面對當代的矛盾，依然活著，依然鮮活。 Q：看到這樣一個角色出現在銀幕上真的讓人耳目一新，她在這個年紀卻推動著整個敘事，你能談談這個角色的塑造以及你是如何選角的嗎？ A：這是個非常有趣的問題，通常我寫劇本時不會設想具體的演員，因為我們從來無法確定是否有足夠的資金去請他們。但當我真正開始選角時我意識到在巴西找到合適的女演員其實非常困難，尤其是這一代演員很多人都被主流電視工業影響很深，她們中的許多人不得不拍一些“嚴肅照片”來隱藏自己的年齡。幸運的是我最終找到了這位非常出色的演員——Denise Weinberg。她對自己的衰老非常自豪，當我向她介紹劇本時她對我說：“這部電影就是關于我的，我的皺紋就是我的牙齒（tooth）。”她的意思是作為一名藝術家，她的皺紋就是她表達的痕跡，看到她與角色之間如此深刻的共鳴，是非常特別的經歷。她對劇本中“當下的女性年齡”的探討也感到驚喜，因為在現實中她早已習慣必須向別人“解釋自己的年齡”。 Q：你剛剛提到的這一點非常有意思。我們通常說“成長電影”都是關于年輕人，青少年的，而這部電影卻在慶祝一種“晚年的成長”，無論年齡幾何都有成長的可能。同時也在探討不同階段之間的友誼與關系的轉化力量。你能談談女主Tereza與Roberta之間的關系以及這對你來說的意義嗎？ 導演：事實上，這部電影整體是非常玩味的。它的配樂非常輕快，我刻意將其作為一種工具用來融合多種類型，那些類型通常是我們不會看到老年人參與其中的，比如反烏托邦，奇幻，公路片或“成長片”。這些類型往往都與年輕的身體相關聯，但在這部電影里我們重新置換了身體，讓一個年長的女性進入這些類型之中創造出一種寓言性的效果。從這個意義上說這本身就是一種政治聲明，它評論了那些拒絕非“典型身體”的類型電影，在這樣的電影史語境中，老年身體本身就是一種抵抗的姿態，所以這是一部叛逆的電影，也是一個叛逆的身體，在類型語法上進行挑戰。 Q：看著他們踏上這段旅程真是令人動容。我想問一個問題是關于電影中的亞馬遜，它在片中幾乎是一種“審美與精神的力量”，你能談談如何表現那樣的環境以及拍攝時你希望它在銀幕上呈現出什么樣的效果嗎？ 導演：當我大學畢業后我曾參與一個項目，教原住民社區如何成為電影創作者，在我寫劇本時那段人生經歷又重新浮現在我腦海中幫助我去構思整部電影。不過對我來說重要的是打破人們對于“亞馬遜”這一詞匯的既定印象。因為當我們想到“亞馬遜”時總會聯想到“保護”“自然保育”等概念，而這部電影其實是關于一個高度追求生產力的社會，所以我想顛覆這種預期。影片一開始就設置在一家鱷魚肉加工廠，通常我們不會把鱷魚這樣的動物與“工業生產線”聯系起來，我們更常把它與“生態保護”聯系在一起，于是我選擇從這樣一個“自信的動物養殖工廠”開始電影——這就是我為何以這樣的場景開場。 Q：我非常喜歡你在銀幕上呈現這一切的方式以及你如何利用這樣的環境讓角色進行自我探索與發現。你剛才提到她（演員）也提醒了你談談影片的畫幅比例。一般電影都是用全屏的寬畫幅，而這部片子采用了近乎正方形的比例。能說說為什么做這樣的選擇嗎？ 導演：其實我刻意抵抗了“墜入誘惑”的沖動。因為亞馬遜的森林太美了，太容易令人沉迷。但我必須專注于我真正想講的內容——這部電影談的是“衰老”、是“布滿皺紋的面孔”。所以我更專注于臉，而不是風景。雖然森林依舊美麗、依舊強烈，角色也確實是景觀體驗的一部分，但電影的核心是關于身體與面孔，而不是自然的壯觀。 觀眾：電影太棒了，非常感謝帶來的體驗。森林在片中幾乎成為一個角色，它不僅僅是一個場所更是故事的一部分。但我更好奇的是：你們在那兒拍攝的過程是怎樣的？因為我們能看到電影很大一部分都是在野外完成的，不是在棚里。亞馬遜地區的拍攝環境，比如雨季，潮濕，高溫——一定很艱難吧？和演員合作時，這段拍攝經歷是什么樣的？ 制片人：特別是在亞馬遜拍攝這部電影時我們有很多戲份都在船上完成。這就需要一個完整的船上拍攝系統。但幸運的是我們的劇組中有相當大一部分人來自亞馬遜地區，他們在當地拍片已有多年經驗。這對我們來說非常重要，我們建立了一支由巴西北部和東北部成員組成的團隊，沒有他們，這部片幾乎不可能完成，所以這是一次非常美好的經歷。當然看到電影最終能在大銀幕上呈現出這樣的效果也非常令人欣慰，雖然困難重重，但結果非常值得。 導演：其實在某種程度上這種挑戰反而帶來靈感。很有趣的是當我在寫劇本時，我天真地想：這會是我拍過最容易的一部片，兩個人物，亞馬遜場景，應該挺簡單吧。結果到了拍攝地，他們問我：我們要在這里拍，那設備放哪？我們需要一條船裝攝影機。還要燈光？那我們還得再準備一條燈光船。最后我們周圍常常停著五條船！有時候真的很荒誕，但也很好玩。 觀眾：我有一個關于美術設計的問題。電影里有那些詭異又廢棄的公園，溫室，還有巨大的雕像，我們很少會在觀影時脫口而出：這個美術設計太驚人了，但這部片我真的有這種感覺。所以我想問這些設計有多少是你自己預設的視覺方案？又有多少是你提供氛圍后由美術團隊去實現的？ 導演：我會說是一個結合的過程。片中溜冰場的部分其實從一開始就很清晰。那段靈感來自我童年時的記憶。而那個廢棄的游樂園，其實我是在現實中偶然發現的。那是一個很有趣的練習，去觀察“現實世界中的反烏托邦元素”。一個由政府資助建造、但如今徹底廢棄的公園，人們仍在那里生活。我覺得很有意思的是，通過這種“不同的鏡頭”，我們可以看到現實中那些“戰爭狀態”的象征。 觀眾：“藍色蝸牛”是真的存在嗎？ 導演：很抱歉，不是真的。雖然在巴西和亞馬遜地區確實有許多類似的動植物，可以說有“等價物”，但我更傾向于自己創造一個寓言形象，而不是直接取材于真實生物。因為在一些原住民的儀式中某些動植物被視為神圣象征。出于對這些文化的尊重，我不想直接使用其中的元素。所以，“藍色蝸牛”完全是我虛構的意象，是為了尊重那些神圣的自然存在，而創造出的新的象征體。我不想在電影中為了娛樂或趣味而使用某些真實存在的元素。所以我選擇創造屬于自己的象征性元素。